Изобразительное искусство, фотография - скачать книги или читать онлайн. Страница 93

Gibt es einen besseren Zeitpunkt, um ein so voluminöses Werk über die Erotik zu publizieren als die ersten Jahre in einem neuen Jahrtausend? Die „Political Correctness“ ist schließlich ein Credo und Frauenbilder sind wieder Ikonen. Während der vergangenen Jahrhunderte bewunderte man Frauen als Göttinnen oder Jungfrauen – heute sind es die Mannequins und Models. Apollo, das männliche Pendant, wäre heute vermutlich ein Filmstar oder ein berühmter Fußballspieler. Was bleibt da noch von der Verruchtheit der Freigeister des 18. Jahrhunderts, der Verrücktheit der Belle Epoque oder der nostalgischen Erinnerung an die Freudenhäuser ? Dieses Werk spricht bewusst auch Tabus an – und das in etwa 400 Reproduktionen, die seit dem alten Griechenland bis in unsere Zeit Teil unserer Kultur sind. Die Erotik ist und bleibt zweifellos einer der Hauptmotoren der Entwicklung der Menschheit.

Mit dem Auftreten von Magazinen wie Playboy oder Penthouse, in denen die Körper der Frauen in Hochglanz-Form gebracht zu sein scheinen wie ein maschinell hergestelltes Produkt, ausgedacht, um es in möglichst großer Anzahl visuell einzusetzen, verlor die erotische Fotografie ihre Adelsurkunden. Die Vermehrung der Bilder von Frauen in allen erdenklichen, selbst grotesken Posen und schmerzhaften Verrenkungen, hat die bis dahin gültigen Vorstellungen von Erotik ausgehöhlt, zumal das Wort durch Gefühle ergänzt wurde. Es dauerte bis in die 1970er Jahre, um eine künstlerische Aktfotografie von hoher Qualität wieder zu entdecken. Das vorliegende Werk ist eine lange Reise durch ein Jahrhundert der Fotografien von Sammlern, die uns die Evolution des Akts erzählen, ein Jahrhundert des Ausdrucks der Erotik, gekennzeichnet von der Scham und der Zärtlichkeit des Klischees. Durch die solide Analyse des Autors kristallisiert sich eine wahre „Französische Schule der erotischen Fotografie“ heraus. Der außergewöhnliche Reiz der Wahrheit, der von der Natürlichkeit der Modelle ausgeht, zu einer Zeit, als die Schönheitschirurgie noch nicht existierte, stellt eine der rührendsten Charakteristika dar.

„Der Teufel hält die Fäden, die uns bewegen!“ (Charles Baudelaire, Die Blumen des Bösen, 1857.)

Maler, Designer, Hersteller von seltsamen Gegenständen, Autor und Filmemacher: Dali wurde der Berühmteste der Surrealisten. Bunuel, Lorca, Picasso und Breton hatten einen großen Einfluss auf seine Karriere. Dalis und Bunuels Film «Ein andalusischer Hund» markierte seinen offiziellen Einstieg in die festgefügte Gruppe der Pariser Surrealisten, wo er Gala kennen lernte, seine lebenslange Gefährtin und die Quelle seiner Inspiration. Aber seine Beziehung verfiel bald bis zu ihrem endgültigen Ende mit André Breton im Jahr 1939. Trotz allem blieb Dalis Kunst in ihrer Philosophie und Ausdrucksweise surrealistisch, und ein Schulbeispiel für Humor, Reinheit und Erforschung des Unbewussten. Während seines ganzen Lebens war Dali ein Genie der Selbstvermarktung, indem er seinem Ruf eine mystische Note zufügte und immer beibehielt.

Courbet, ein Kind des Materialismus und des Positivismus, war ohne Zweifel einer der komplexesten Maler des 19. Jahrhunderts. Er symbolisierte die Ablehnung der Traditionen und scheute sich nicht, die Öffentlichkeit dadurch mit der Wahrheit zu konfrontieren, dass er die Malerei von konventionellen Regeln befreite. Von diesem Zeitpunkt an war er der Anführer des Realismus in der Malerei.

John Constable ist der erste englische Landschaftsmaler, der den Holländern in nichts nachsteht. Er übernimmt zwar einiges von Rubens Landschaften, doch sein eigentliches Vorbild ist Gainsborough. Constable bringt einen frischen Wind in die Malerei, zum einen, was die Technik, zum anderen, was das Gefühl anbelangt. Mit Ausnahme der Franzosen war Constable der erste Landschaftsmaler, der es als wichtigste Aufgabe erachtete, zunächst in einer einzigen Sitzung in der Natur eine erste Skizze anzufertigen. Diese Idee ist der Keim für die Entwicklung der modernen Landschaftsmalerei – ja vielleicht sogar der modernen Malerei überhaupt. Es ist diese spontane Momentaufnahme, das flüchtigste, persönlichste und am wenigsten reproduzierbare Element, das dem zukünftigen Bild seine Seele gibt. Beim späteren gemächlichen Arbeiten an der Leinwand kann die Absicht des Künstlers nur darin bestehen, diese erste Skizze zu bereichern und zu vervollkommnen, ohne jedoch die jungfräuliche Frische zu verlieren. Diesen zwei Prozessen widmete sich Constable mit dem Ziel, die Fülle des Lebens in den ländlichen Gegenden zu entdecken.

Seit der Geburt des Christentums sind Künstler fasziniert von Christus. Sein Abbild erscheint auf Fresken in Katakomben aus der Römerzeit, auf Buntglasscheiben in gotischen Kirchen sowie in verschiedenen Darstellungen in der heutigen Pop– Kultur. Der biblische Erlöser ist keine statische, körperlose Gottheit: Christi Geburt, sein ungewöhnliches Leben und sein dramatischer Tod machen ihn zu einem interessanten Motiv für religiöse und säkulare Künstler. Ob sie die Geistlichkeit des Leibhaftigen oder die menschlichen Charakteristika eines Mannes aus Fleisch und Blut zeigen, künstlerische Darstellungen Christi sind die umstrittensten, bewegendsten oder inspirierendsten Beispiele religiöser Kunst. Dieses reich illustrierte Buch erforscht verschiedene christliche Darstellungen, von Cimabues Krippenszenen über die Kreuzigungsdarstellungen Fra Angelicos bis hin zu den provozierenden Porträts Dalís und Andre Serranos. Der Autor Joseph Lewis French führt den Leser durch die ikonischen Darstellungen Christi in der Kunst. Zart oder graphisch, klassisch oder bizarr verdeutlichen diese Messiasbilder die verschiedenen Rollen des Gottessohns im sozialen Bereich wie auch im persönlichen Leben der Künstler.

Das vorliegende Buch stellt eine Enzyklopädie der klassischen chinesischen Kunst dar und gibt einen informativen Überblick über all ihre Formen. Auf diese Weise präsentiert es auch den Schlüssel für das Verständnis der zeitgenössischen chinesischen Kunst. Anfänger können sich mit dieser Studie auf interessante Weise mit einem neuen Thema vertraut machen, während Spezialisten die globale Perspektive schätzen werden. Der Überblick umfasst nicht nur die Architektur, die Bildhauerei und die Malerei, sondern auch Bronzen und Keramik. Auf diese

Vom 12. Oktober 2005 bis zum 9. Januar 2006 wird im Musée Guimet in Paris eine außergewöhnliche Ausstellung mit dem Titel „Kunstschätze aus Vietnam… Die Champa-Skulptur“ stattfinden. Dieses Ereignis wird erstmalig die Sammlungen des französischen Musée Guimet, der Réunion des Musées Nationaux und der vietnamesischen Museen aus Da Nang und Hô Chi Minh-Stadt, ehemals Saigon, zusammenführen. Die Besucher werden die in den erwähnten Museen verwahrten Skulpturen bewundern können, wobei, wie so oft, die privaten Sammler sich dagegen sperren, ihre Schätze zu zeigen; vielleicht aus Furcht, aber auch, um die Exklusivität ihrer Leidenschaft zu bewahren. Dieses Buch präsentiert einzigartige Stücke, die einem fachfremden Publikum gänzlich unbekannt sind und von Museumskuratoren bisher ignoriert werden, während die großen Werke der asiatischen Kunst den Blick auf das Unentdeckte verstellen. Zur Ergänzung dieser Ausstellung hat Jean-François Hubert, internationaler Experte vietnamesischer Kunst, seine Freunde gebeten, sich an der Arbeit

Der zu seinen Lebzeiten als kontrovers geltende italienische Maler Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) hat seinen heutigen Weltruhm als hervorragender Künstler des Barock einer Wiederentdeckung im frühen 20. Jahrhundert zu verdanken. Seitdem sind die Bilder des streitbaren Verfechters der realistischen Malweise geschätzt wie nie zuvor. Zu recht, denn es war Caravaggio, der religiöser Kunst eine neue Menschlichkeit einhauchte, mit seinen realitätsgetreuen und gleichzeitig sinnlichen Bildnissen von Menschen, Heiligen und Göttern. Für Caravaggio galt allein die Schönheit des Naturgetreuen, dass er geschickt mit der von ihm neu „restaurierten“ chiaroscuro-Technik in Szene zu setzen wusste. Dieses Streben brachte ihn auf Kollisionskurs mit den Künstlern und dem Klerus seiner Zeit, die ihm Pietätlosigkeit und einen verruchten Lebensstil vorwarfen.

Der unter dem Namen Canaletto bekannte Venezianer Giovanni Antonio Canal (1697-1768) wurde durch seinen Vater, einen Theaterdekorateur, an die Malerei und die Perspektive herangeführt. Canaletto ist vor allem für seine Veduten bekannt. Während die Amateure seiner Zeit ihre Landschaftsbilder als Beweis für ihre Reisen in Italien heimbrachten, verkörperte Canaletto die Serenissima des Barock. Canaletto leistete auf dem Feld der räumlichen Gestaltung der unterschiedlichen Ebenen seiner Werke Pionierarbeit. Er schmückte seine Bilder mit zahlreichen Details, um die Entfernungen zu betonen und arbeitete bei der Komposition seiner Gemälde auch mit einer camera obscura. Canalettos Werke gehören aufgrund der Präzision seiner Linienführung und der Farbtöne seiner Palette noch immer zu den schönsten Panoramen in der Kunstgeschichte. Der Autor weckt in seinem inspirierten und reich illustrierten Text die Leidenschaft des Lesers für diesen faszinierenden venezianischen Maler des 17. Jahrhunderts.

Die Bruegels – allen voran Pieter der Ältere, zusammen mit seinen Söhnen Pieter („Höllenbruegel“) und Jan („Samt– oder Blumenbruegel“) – sind die bedeutendste flämische Malerfamilie. Ihre Werke sind Zeugnisse des unschätzbaren Beitrags, den diese Familie in der Entwicklung der Malerei des nördlichen Europa geleistet hat. Sie entzogen sich bewusst dem Einfluss des italienischen Manierismus und schufen damit einen ganz eigenen, unabhängigen und tief im originellen Charakter der Flamen verwurzelten Stil. In teils volkstümlichen, teils allegorischen Szenen schildern Pieter Bruegel und seine Nachfolger auf unnachahmliche Weise den Alltag der bäuerlichen und der städtischen Bevölkerung zur Zeit der spanischen Herrschaft über die Niederlande. In diesem opulent bebilderten Werk zeichnen die Autoren, Emile Michel und Victoria Charles, ein lebendiges Bild, anhand dessen wir die Entwicklung der niederländischen und flämischen Kunst in der Zeit zwischen dem 15. und dem 17. Jahrhundert nachvollziehen können.